ÑIÑA PASTORI y UN AVANCE ...de PASION VEGA

Cuando Niña Pastori contaba apenas con ocho años de edad, fue descubierta y alentada por el gran Camarón, para que desarrollara sus admirables dotes para la música flamenca:



Con El
Cigala



En el año 2001 publica "Cañailla" y un año después el álbum titulado simplemente "María". "María" ofrece once temas (siete de ellos compuestos por la cantaora y su compañero, Julio Jiménez Borja, alias Chaboli) y una producción cuidadosamente elaborada a cargo de Manuel Ruíz.
A finales de 2004 aparece "No hay quinto malo", la obra definitiva que marca un antes y un después en su música, la madurez de su carrera. "No hay quinto malo" es el último álbum de Niña Pastori, quinto disco de una carrera que comenzó hace diez años abriendo una nueva vía para el flamenco. Una nueva vía que desde el principio contó con el aplauso popular, como lo demuestra el hecho que "No hay quinto malo" entró directamente al número uno de la lista de los discos más vendidos en España en la primera semana de su publicación.




Niña Pastori siempre ha aportado cosas nuevas y en 2005 vuelve a alegrar el mercado con la edición especial de un álbum titulado "No hay quinto malo" verdaderamente innovador. Por primera vez, una artista de flamenco publica un DVD en el que las imágenes acompañan todas y cada una de las canciones del disco con un planteamiento renovador y de gran altura estética. En este DVD+CD magníficamente presentado, Niña Pastori interpreta acompañada de sus músicos las 12 canciones del álbum, rodadas con cinco cámaras por el director Juan Estelrich con enorme sensibilidad y calidad. Colaboraciones especiales, como la de José Miguel Carmona, ex Ketama, en la canción "Mi cuna", proporcionan un valor añadido al DVD.






En el año 2006, después de 10 años de carrera y más de un millón de discos vendidos, Niña Pastori lanza su nuevo disco y hace suyos grandes éxitos de todos los tiempos. Por primera vez en su carrera, la artista interpreta muchas de sus canciones favoritas, temas que han marcado algún momento de su vida, recrea canciones que un día popularizaron Joan Manuel Serrat, Alejandro Sanz, Maná, Juan Luis Guerra, Antonio Machín, Manolo García, Luz Casal, Armando Manzanero o Marifé de Triana. Temas como Mediterráneo, Cuando nadie me ve, Vivir sin aire, Burbujas de amor, Angelitos negros, Pájaros de barro, Lo eres todo, Todavía, Hoy igual que ayer o María de la O. Verdaderas joyas que ahora Niña Pastori hace suyas y demuestra que su voz está por encima de estilos y géneros en este nuevo álbum.


Y ha continuado grabando, hasta el 2010 que yo sepa.
Confieso que es el flameco, la musica andaluza (y el baile) el que me llega y emociona tanto como la musica bailable cubana.

Ojalá les guste, y, sobre todo me disculpen cualquier fallo y  error pues lo preparé a pulmón, y nunca tan literal su significado.

Pasion Vega, Fina Estampa: en directo y a capella



Iraida

TANGO - ASTOR PIAZZOLLA

Astor Pantaleón Piazzolla, compositor y bandoneonista

(Mar del Plata - Argentina, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992)

"Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos." (Piazzolla - 1954)

Astor Piazzolla, nació en Mar del Plata en 1921, hijo de padres inmigrantes italianos Vicente Nonino Piazzolla y Asunta Manetti.

En 1924 se muda con sus padres a la ciudad de New York, donde muy pronto entra en contacto con el jazz y la música clásica de Bach.

"Era un barrio violento, porque existía hambre y bronca. Crecí viendo todo eso. Pandillas que peleaban entre sí, robos y muertes todos los días. De todas maneras, la calle Ocho, Nueva York, Elia Kazan, Al Jolson, Gershwin, Sophie Taulker cantando en el Orpheum, un bar que estaba en la esquina de casa... Todo eso, más la violencia, más esa cosa emocionante que tiene Nueva York, está en mi música, están en mi vida, en mi conducta, en mis relaciones." (Piazzolla - "Astor" Diana Piazzolla - Ed. Corregidor 2005)

Mientras vivió allí aprendió a hablar 4 idiomas (castellano, inglés, francés e italiano), en 1929 comenzó a tocar el bandoneón, cuando su padre (nostálgico de su Italia) le compró uno en una casa de empeño por 18 dólares.

En 1933, toma clases con Bela Wilda, un pianista húngaro discípulo de Rachmáninov.

En el año 1934 conoce en Manhattan a Carlos Gardel, al llevarle un presente realizado por su padre, a Charlie (como le decía Astor) le cayó muy bien y lo acompañó a realizar sus compras por la ciudad ya que Astor hablaba muy bien el inglés y al "zorzal" le resultaba difícil.

Al año siguiente, Gardel lo invitó a participar de la película que rodaba en esos días El día que me quieras como un vendedor de diarios (canillita), Astor contaba con 14 años.

Carlos Gardel lo invitó a unirse en su gira por América, pero el padre no lo dejó porque era muy joven, esto fue una suerte en la desgracia, ya que fue en esa gira que Gardel y toda su banda perdieron la vida en un accidente aéreo.

En 1978, Astor escribe una carta imaginaria a Gardel,

"..Jamás olvidaré la noche que ofreciste un asado al terminar la filmación de El día que me quieras. Fue un honor de los argentinos y uruguayos que vivían en Nueva York. Recuerdo que Alberto Castellano debía tocar el piano y yo el bandoneón, por supuesto para acompañarte a vos cantando. Tuve la loca suerte de que el piano era tan malo que tuve que tocar yo solo y vos cantaste los temas del filme. ¡Qué noche, Charlie! Allí fue mi bautismo con el tango.

Primer tango de mi vida y ¡acompañando a Gardel! Jamás lo olvidaré. Al poco tiempo te fuiste con Lepera y tus guitarristas a Hollywood. ¿Te acordás que me mandaste dos telegramas para que me uniera a ustedes con mi bandoneón? Era la primavera del 35 y yo cumplía 14 años. Los viejos no me dieron permiso y el sindicato tampoco. Charlie, ¡me salvé! En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa."

En 1937 regresan a Buenos Aires, y Piazzolla comienza a tocar para la orquesta de Aníbal Troilo, considerado el mejor bandoneonista y líder en Buenos Aires.

Un día de 1939 escucha a Arthur Rubinstein, emocionado escribe un "concierto" y decide ir a buscarlo.

Escuchemos al mismo Piazzolla contar su encuentro con Rubinstein.

En los primeros años del 50, Piazzolla duda entre el bandoneón y el piano, y pensó volcarse a la música clásica, en la que ya venía incursionando como compositor. En 1954 se traslada a París, becado por el Conservatorio de París para estudiar con Nadia Boulanger, quien lo persuadió de desarrollar su arte a partir de lo que le era más propio: el tango y el bandoneón. Si hasta ese momento todo era tango o música clásica, a partir de allí fue tango y música clásica.

En 1955 grabó con las cuerdas de la Orquesta de la Opera de París y en piano Martial Solal alternándose con Lalo Schifrin. Luego regresó a Buenos Aires.

Ya en Buenos Aires, forma el famoso Octeto Buenos Aires, conjunto considerado como el iniciador del tango moderno, tanto por su instrumentalización (incluía una guitarra eléctrica) como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas. Sin embargo, en 1958 disuelve el Octeto y se traslada con su familia nuevamente a New York.

En 1959, durante una presentación en Puerto Rico se entera de la muerte de su padre Vicente Nonino Piazzolla y regresa a New York, donde compone la su obra más célebre Adiós Nonino.

En 1960 vuelve a Buenos Aires, y forma la agrupación que definiría su estilo musical, que sería la base para agrupaciones posteriores y a la que volvería cada vez que se sentía frustrado por otros proyectos El Quinteto Nuevo Tango. Con esta agrupación daría a conocer Adios Nonino y composiciones entre las más recordadas: Las Estaciones (Verano porteño, etc...), la Serie del Angel (Introducción al Angel, Milonga del Angel, Muerte del Angel y Resurrección del Angel), Fracanapa, Michelangelo '70 y Fugata, entre otros. Esta última basada en la obra de Johann Sebastian Bach.

Fracanapa (pueden expandir el cuadro para apreciarlo)

En 1967 empieza su colaboración con el poeta Horacio Ferrer y la cantante Amalita Baltar, con quien comenzará una relación afectiva que durará cinco años. El 16 de noviembre de ese año, en el Festival de Buenos Aires de la Canción y la Danza, que se realizó en el Luna Park, Amelita Baltar estampó para siempre su voz sensual, levemente arenosa, con la composición conjunta de Ferrer - Piazzolla, Balada para un Loco. Una polémica estalló entonces, "¿eso es tango?", preguntaron burlonamente los de la vieja guardia. "Es la música del futuro de la ciudad, de hoy", se apasionaban sus oponentes. Como sea, se impuso, a pesar de sacar el segundo puesto, inmediatamente rodó un simple con Balada para un Loco y Chiquilín de Bachín.

Interesante historia de Balada para un Loco

Balada para un loco - Video y Letra

Chiquilín de Bachín - Video y Letra

En 1970 regresa a París junto a Horacio Ferrer, luego en 1973 sufre un infarto que lo obliga a reducir su actividad, por lo cual se instala en Italia donde permanecerá 5 años. En 1974 se separa de Amelita Baltar y ese mismo año graba con Gerry Mulligan Summit, también grabará una pieza muy famosa llamada Libertango.

Piazzolla y Mulligan en Años de Soledad, expandan el cuadro para disfrutar de esta pieza maravillosa.

En 1979 vuelve a trabajar con el Quinteto Nuevo Tango, y presentó Escualo, entre otros temas. En 1987 viaja a Estados Unidos, en su estadía graba en vivo en el Central Park.

En 1989 forma su último conjunto, el Sexteto Nuevo Tango formado por 2 bandoneones, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y violonchelo.

El 4 de agosto de 1990, en París, sufre una trombosis cerebral, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires, el 4 de julio de 1992, a los 71 años.

Para terminar, Escualo, recomiendo nuevamente expandir el cuadro.

Juan Quintero y Luna Monti. Amor y canciones.

Juan Quintero y Luna Monti, argentinos, se conocieron por culpa de Raúl Carnota, otro gran folklorista. El olfato del músico permitió reunir al guitarrista y compositor y a la cantante, que terminaron pareja artística y de la vida real.
Quintero es uno de los compositores más interesantes del panorama actual.

Aquí el dúo, interpretando "El Cosechero", de Ramón Ayala:



Cuando se les pregunta por influencias importantes, los dos apuntan más cerquita: “Venimos de casas de músicos y cantores los dos. Nuestros padres son nuestros referentes, los que nos hicieron conocer, naturalmente, a los grandes compositores. Y también son nuestra escuela”, explican ellos. “Por más estudios y conservatorios que hayamos hecho, sentimos esencial ese aprendizaje de los asados en nuestras casas, algo que siempre seguimos buscando y generando.”



Tucumano él, amigo de Juan Falú por herencia familiar; porteña ella, ahijada artística de Carnota. Los dos dicen que no se les hace difícil conseguir espacios para mostrarse. “Hay un circuito muy artesanal de gente que organiza tocadas para públicos reducidos, en teatros chicos, bares; ésas son las iniciativas que nos permiten hacer lo nuestro. Gracias a esos pequeños emprendimientos pudimos tocar por todo el país. Después está toda la cuestión de la organización: desde la difusión hasta conseguir pasajes, todo cuesta mucho. Pero al menos las propuestas para tocar están.”

Los chicos tienen una dulzura al hablar que transmiten en sus canciones: "Sólo cueca"



Que esta breve entrada sea para abrir apetitos musicales...

Jorge Drexler: trovador uruguayo

Jorge Drexler nació en 1964 en Montevideo (Uruguay). A los cinco años comienza a estudiar piano y a los once, de guitarra clásica. A partir de entonces estudia lenguaje musical, armonía y composición.

A mediados de 1989 empezó a escribir canciones y en 1992 editó su primer disco, "La luz que sabe robar". Ese mismo año se licenció como médico en la Universidad de la República Oriental del Uruguay.

La edición de su segundo trabajo, "Radar" (1994), cerró su primera etapa en Uruguay, antes de cruzar el charco e instalarse en España donde grabó su tercer álbum "Vaivén" (1996), con colaboraciones de Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute y Javier Álvarez.. A partir de ahí, se establece en Madrid desde donde continúa editando sus discos hasta el día de hoy, acumulando ya 10 discos originales además de varias re-ediciones  Además ha mantenido una intensísima agenda de conciertos, presentando sus últimos discos en diferentes formatos en 16 países.

Fue en 2005 cuando Drexler adquirió mayor notoriedad a nivel popular al recibir el OSCAR por la canción "Al otro lado del río", que pertenece a la película "Diarios de motocicleta". Se trata de la primer canción en castellano de la historia que recibe este galardón. La película es la que cuenta la historia del viaje legendario del Che por América con su amigo recientemente fallecido, Alberto Granados.

 En estos últimos años ha acumulado 3 nominaciones consecutivas a los Grammy Awards, 4 nominaciones consecutivas a los Latin Grammy Awards y 2 veces consecutivas el Premio de la Música Española, entre otros  galardones.

En el 2008 salió a la venta su noveno disco CARA B grabado en directo durante una gira por 7 ciudades de Cataluña. Además el director de cine Manel Huerga se sumó al proyecto CARA B rodando un largometraje sobre dicha gira, dando lugar a Un instante preciso, documental que fue avalado ya por premios tan importantes como la Biznaga de Plata del Público (categoría Largometrajes-documentales) conseguido en el XXII Festival de Cine de Málaga (España) y la Selección Oficial al London Film Festival y El Festival de Cine de La Habana.

Sus canciones han sido incluidas en otras numerosas películas como No sos vos, soy yo, Retrato de mujer con hombre al fondo, Las razones de mis amigos, Antigua vida mía, Spoils of war, Cándida o El nido vacío.

Milonga del Moro Judío- Editado en el album Eco de 2004
Del mismo album otro tema muy conocido Todo se transforma:

Canciones intimistas, que van contando la vida afectiva del cantante, por esos años casado con un hijo, por ejemplo en esta otra canción muy bella, Mi guitarra y vos, donde además se deja ver su formación científica de buscar y enlazar explicaciones, un recurso que aparece en varias de ellas.

Su octavo album, "12 segundos de oscuridad", es un disco melancólico y por momentos doloroso, en el que habla de su separación de su compañera. El tema que da nombre al disco tiene una estrofa antológica que representa eso: 

Un faro quieto nada sería
guía, mientras no deje de girar
no es la luz lo que importa en verdad
son los 12 segundos de oscuridad.  

En ese disco hay una muy hermosa canción que creo les gustará, especialmente a quien no teniendo miedo a la Soledad, alguna vez hasta dijo disfrutar de ella....

En esta versión canta con María Rita, una cantante brasileña de cálida voz, hija de otra también famosa cantante, Elis REgina.
Dice Drexler: "yo siempre miré el lado luminoso de las cosas. Y con 12 segundos me animé a ver que se puede aprender de la oscuridad"...

Como su discografía va contando sus alegrías y tristezas, a ese disco melancólico siguió un disco esperanzado podría decirse, con temas muy especiales como  "La trama y el desenlace", revelador de su nueva condición  afectiva, el que de alguna manera da nombre al album "Amar la trama" 

LA TRAMA Y EL DESENLACE

Camino por Madrid en tu compañía,
Mi mano en tu cintura,
Copiando a tu mano en la cintura mía.
A paso lento, como bostezando,
Como quién besa el barrio al irlo pisando,
Como quién sabe que cuenta con la tarde entera,
Sin nada más que hacer que acariciar aceras.

Y sin planearlo tú acaso,
Como quién sin quererlo va y lo hace,
Te vi cambiar tu paso,
Hasta ponerlo en fase,
En la misma fase que mi propio paso.

Ir y venir, seguir y guiar, dar y tener,
Entrar y salir de fase.
Amar la trama más que al desenlace,
Amar la trama más que al desenlace.

En ese mismo album, el último, le dedica una canción a su nuevo hijo pequeño, contando la experiencia mágica de saberse padre con el instante en que pudo apreciar un fenómeno en el mar, la presencia de las noctilucas, unos bichitos que hacen un fenómeno de fosforescencia...

También del último disco, un tema con una letra reveladora de grandes verdades.

AQUILES POR SU TALON ES AQUILES

Se es lo que se es
Lo que siempre se ha sido
Se siente lo que se siente
En el centro del centro silente
Tenga o no tenga evidente sentido

Y rara vez se es tal y como se quiere
Se llora lo que se llora
Uno no elige de quien se enamora
Ni elige qué cosas a uno lo hieren

Y en lo más sutil de los cuerpos sutiles
Lejos de la noria de causas y efectos
Se tiene el corazón que se trae por defecto
Así como Aquiles, por su talón, es Aquiles

Podría compartir muchos temas, pero este pantallazo por algunos, puede llegar a ser el disparador para que alguien conociendo a este increíble canta autor, profundice en su obra.

 

TATO BORES - EL ACTOR COMICO DE LA NACION

Mauricio Borensztein (Buenos Aires, 27 abril 1927 - 11 enero 1996)

Humorista argentino de cine, teatro y televisión, es en este último medio donde con su humor político marcará a generaciones de argentinos. Conocido artísticamente como Tato Bores y apodado como el Actor Cómico de la Nación.

En 1945 contando chistes en una fiesta lo conocieron Julio Porter (guionista famoso) y el cómico Pepe Iglesias "El Zorro". Comenzó en Radio Splendid como partnair de Iglesias, y Porter le asignó el seudónimo por el cual fue reconocido siempre: Tato Bores.

Ya desde sus comienzos, lo persiguió la censura, en 1946 contratado para trabajar en la radio en La escuelita humorística, con Pepe Arias caracterizado como el maestro Ciruelo y Tato como el niño Igor (un niño judío), tuvo tanto éxito que hicieron una sección propia: Las aventuras de Igor, que fue censurado por el gobierno de Perón por la grave popularización de su habla. Tato Bores recordaba: " Porque los chicos comenzaban a hablar como Igor en la escuela".

En 1957 comienza en la televisión con el programa Caras y Caretas.

Durante el gobierno de Arturo Frondizi (1958-62), cuando enfrentaba una crisis ministerial, Tato se presenta por primera vez vestido de frac, con habano, lentes y peluca, había que tener el traje puesto porque quizás con el constante cambio de ministros, él podía ser elegido para ocupar un cargo.

Desde 1961 comienza con su propio programa "Tato siempre en domingo", logra con este ciclo introducir en la televisión el género de humor político, poco a poco la figura de Tato fue creciendo, hasta que su programa se convirtió en un clásico que acompañó gobiernos, criticando veladamente los hechos que siempre, por más serios que fueran, tenían desde la perspectiva que lograba darle el actor, un costado gracioso.

Su clásica llamada al Presidente de la Nación se convirtió con el tiempo en un sello que firmaba sus programas.

Desde 1961 hasta 1974 sus programas fueron ininterrumpidos, en 1974 sufrió la censura, inmediatamente luego de la muerte de Juan Domingo Perón.

Aquí un video con fragmentos de sus monólogos correspondiente a este período, salvo en un fragmento que se lo ve hablando por teléfono con el presidente de facto Videla en 1980.

Les sugiero leer antes de ver los monólogos el contexto político en el cual se desarrollan

Contexto político de los monólogos

VER VIDEO FRAGMENTOS TATO BORES 1962-1970

En 1978 levantada la censura, vuelve con sus monólogos a la TV, aunque sufría la censura previa, el interventor estatal veía sus programas antes de salir al aire, y si lo consideraba censurable debía ser cambiado, así le sucedió con una de sus conversaciones con el supuesto presidente Videla que debió cambiar por una conversación con su libretista.

Llegó la democracia en 1983, y sus monólogos continuaron hasta 1985, hubo un impasse desde el 85 al 88, si bien no se podría llamar censura, porque no le habían levantado el programa, la TV no lo contrató porque "no era conveniente".

El siguiente video es un monólogo que recorre 30 años de historia, es el monólogo nro. 2000, hecho en 1990.

Les sugiero leer algunas aclaraciones necesarias para disfrutar del monólogo.

Aclaraciones necesarias

En 1992, sufre unos meses de censura, por la denuncia de una jueza Servini de Cubría, en el mes de septiembre el fallo de la cámara de apelaciones en lo civil fue revocado por la Corte Suprema.

En dicho programa mientras se mostraba un escudo con la imagen de la jueza, un locutor preguntaba: "¿Mito, leyenda o realidad? acá hay una constancia de una multa que esta señora tuvo que pagar, un recibo por 50 australes; considerando lo grave de sus faltas, se puede suponer que ese era un valor bastante importante para la época..."

El hecho quedó inmortalizado en una canción que Tato cantó a coro con músicos y profesionales de la radio y la TV como Luis Alberto Spinetta, Soda Stereo (Gustavo Cerutti), Víctor Heredia, Mario Pergolini, China Zorrilla, Jorge Grinzburg, Magdalena Ruiz Guiñazú, Mariano Grondona, Bernardo Neustad, Soledad Silveyra, Enrique Pinti, y otros: "La jueza Barú Budú Budía, es lo más grande que hay", en apoyo a Bores y en repudio a la censura, un episodio memorable para la TV Argentina.

En 1994 en la Clínica Mater Dei, al operarle una simple hernia de disco, le descubren cáncer óseo, no pudo volver a trabajar, se recluyó en sus casas de Buenos Aires y Punta del Este (Uruguay) de donde vino pocos días antes de su fallecimiento el 11 de enero de 1996.

"Yo creo que en este momento la televisión está dedicada a la joda, a los entretenimientos y a la nada (...) ¿Sabés qué pasa con la televisión? Todo lo que hacés es demasiado perecedero, y a la larga se olvida. Estoy seguro de que se van a olvidar de mi, porque lo único que queda son los tangos de primera y las sinfonías de Beethoven, las obras de Shakespeare y los cuadros de Goya, los libros de Borges y Bioy Casares. El resto no" (Tato Bores)

Sin embargo, imposible olvidarse de él, sus monólogos también han resultado imperecederos.