viernes, 5 de abril de 2013

JOAN MANUEL SERRAT

El catalán que canta la vida de todos...

Hoy queremos honrar al autor de mucha poesía, y al que cantó las de otros grandes como Miguel Hernandez, Antonio Machado, y Benedetti, Joan Manuel Serrat, sea bienvenido a Puente Cubano al mundo, para que con música o solo letra, podamos conocer algo mas de este gran cantautor español.


Sinceramente tuyo

No escojas solo una parte 
tómame como me doy 
entero y tal como soy 
No vayas a equivocarte 


Soy sinceramente tuyo 
pero no quiero mi amor 
ir por tu vida de visita 
vestido para la ocasión 
Preferiría con el tiempo 
reconocerme sin rubor 
 
Cuéntale a tu corazón 
que existe siempre una razón 
escondida en cada gesto 
del derecho y del revés 
uno siempre es lo que es 
y anda siempre con lo puesto 
Nunca es triste la verdad 
lo que no tiene es remedio 


Y no es prudente ir camuflado 
eternamente por ahí 
ni por estar junto a ti 
ni para ir a ningún lado 

No me pidas que no piense 
en voz alta por mi bien 
Ni que me suba a un taburete 
si quieres probare a crecer 

Cuéntale a tu corazón 
que existe siempre una razón 
escondida en cada gesto 
Del derecho y del revés 
uno es siempre lo que es 
y anda siempre con lo puesto 
Nunca es triste la verdad 
lo que no tiene es remedio 


Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poblé Sec (Barcelona), en el seno de una familia española de la post guerra. Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.
En 1968 publica sus primeras canciones en español, con varios sencillos que serían recogidos en el LP La paloma al año siguiente. Al mismo tiempo, iba componiendo nuevas canciones en catalán que se editaban también en formato sencillo.

Cuando, a finales de los sesenta Serrat comienza a cantar en español,  a aparecer en portadas de revistas de fans y a hacer películas, algunos de sus "seguidores de siempre" pasan a considerarlo un traidor de la causa catalanista. Él se defiende diciendo que el castellano también es su lengua materna, pues su madre era aragonesa.

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, la, un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat.

En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después.

Ese mismo año publica el disco titulado Dedicado a Antonio Machado, con el cual logra un gran éxito de ventas, a pesar del veto que pesaba en su contra, que impedía incluso promocionar por radio sus trabajos. Participa en el Festival Internacional de la canción en Viña del mar, en 1970 como artista invitado, y gana el Festival de Río de Janeiro,  con la canción  Penélope.
En 1970 ve la luz Mi niñez. De este último disco salen dos canciones modificadas por la censura franquista, como son Fiesta y Muchacha típica, que son editadas en su versión original en Latinoamérica, quedando las modificadas para España.

A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte. En 1971 publica uno de sus discos más importantes: Mediterráneo. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.
Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: Miguel Hernandez, es el título.


Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.
En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él.
Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen.

En 1981 publica En tránsito, con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas. En 1983 sale a la luz Cada loco con su tema,  y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.
En los años siguientes publica El sur también existe, Bienaventurados, Utopía y Nadie es perfecto. En 1996 se une a VÍctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado El gusto es nuestro, obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.
En 1988 publicó Sombras de la china, un disco mayúsculo en su carrera.
Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen el álbum, Versos en la boca, del año 2002, una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española.


Un año más tarde, en el 2003, aparece Serrat sinfónico. Este es un proyecto que Joan Manuel Serrat tenía pensado desde hace tiempo: una selección de algunas de sus canciones más significativas grabadas con una gran orquesta sinfónica. Con arreglos y dirección de Joan Albert Amargós y acompañado por la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Serrat ha revisado canciones como Mediterráneo, Cantares, o Mi niñez... 

En el 2006 Serrat vuelve a lanzar un nuevo disco en catalán, . Contiene 12 canciones propias y cuenta con el valor añadido de un DVD con 9 canciones del álbum en versión acústica y comentarios personales. es un homenaje a Mahón, ciudad con la que Serrat mantiene una estrecha vinculación, no solo porque allí pasa largas temporadas, si no también por que es el lugar donde han nacido muchas de sus creaciones musicales.

En 2007 es galardonado con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña,  en reconocimiento por su labor en defensa de la lengua y la cultura catalana .También en 2007 comienza una gira junto a Joaquín Sabina,  llamada Dos pájaros de un tiro, que los lleva por 30 ciudades españolas y 20 americanas y que se inicia en Zaragoza y finaliza en Buenos Aires,  después de 71 conciertos.

El 6 de febrero de 2012, presentó junto a Joaquín Sabina La orquesta del Titanic,, su primer álbum de estudio grabado con el cantautor jienense. Además, anunciaron una gira de presentación del disco que los llevaría por Uruguay, Argentina, Chile, México, Estados Unidos, Costa Rica, República Dominicana y España.

Durante la gira Dos pájaros contraatacan en Argentina (marzo 2012) graban un nuevo cd+dvd en vivo en el escenario del Luna Park de Buenos Aires. Tienen tanto éxito que repiten el concierto en Diciembre 2012 en el estadio de Boca Juniors, anunciando un posible Dos pájaros, la tercera es la vencida.

Esperamos,  que a través de sus letras y su música podamos recorrer su vida,  una vida tan rica, y marcada  como la de tantos otros artistas, por la realidad de los tiempos.

domingo, 17 de marzo de 2013

CELINA GONZÁLEZ, la reina del punto cubano.


 El punto cubano, punto guajiro, o simplemente punto,  es un género cantable del ámbito campesino de marcada raíz hispánica. Fueron los canarios asentados en Cuba quienes crearon este estilo una vez que asimilaron elementos de la música andaluza. Una pizca de sustancias africanas le dieron su carácter criollo, teniendo vida propia desde el siglo XVII.
El punto es la vida del guateque, fiesta del campo cubano. Guitarra, tres, tiple, laúd, clave, güiro y guayo acompañan al punto, mientras los intérpretes sazonan la fiesta con controversias de improvisación. Están visiblemente divididos: cada uno, y su público, representan un bando, perfectamente distinguible por el color de su emblema que bien puede ser una pañoleta anudada al cuello.
Éste género tiene como reina a Celina  González Zamora. Nació en 1926, en el caserío La Luisa, en la provincia de Matanzas, Cuba.



A los cuatro años de edad, su familia se traslada a Santiago de Cuba. La niña se cría en un hogar donde reinaba la música campesina. Sus padres cantaban y sus hermanos tocaban el tres y el laúd.

Desde muy joven simpatizó con la religión afrocubana Regla de Osha o Santería. Según ella misma cuenta, en 1948 se le apareció Santa Bárbara, (sincretizada por la deidad africana y gran guerrero Changó),  quien le aseguró que tendría éxito si le dedicaba una alabanza. Luego de esto, Celina escribe "Que viva Changó":

Santa Bárbara bendita 

para ti surge mi lira 
Santa Bárbara bendita 
para ti surge mi lira 
Y con emoción se inspira 
ante tu imagen bonita 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores 

Con voluntad infinita 

arranco del corazón 
la melodiosa expresion 
pidiendo que desde el cielo 
nos envies tu consuelo 
y tu santa bendición 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores 

Virgen venerada y pura 

Santa Bárbara bendita 
Virgen venerada y pura 
Santa Bárbara bendita 
Nuestra oración favorita 
llevamos hasta tu altura 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores 

Con alegría y ternura 

quiero llevar mi trovada 
Allá en tu mansión sagrada 
donde lo bueno ilumina 
junto a tu copa divina 
y tu santisima espada 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores 

En nombre de mi nación 

Santa Bárbara te pido 
En nombre de mi nación 
Santa Bárbara te pido 
Que riegues con tu fluido 
tu sagrada bendición 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores 

Yo tambien de corazón 

te dare mi murmurío 
Con orgullo y poderío 
hare que tu nombre suba 
Yen el nombre de mi Cuba 
este saludo te envío 
Que viva changó Que viva changó 
Que viva changó Señores


Hacia 1943 conoce al que va a ser el amor de su vida, Reutilio Domínguez, con quien compone años después "Yo soy el punto cubano", que los haría famosos en Cuba y en el mundo entero. Celina y Reutilio fueron descubiertos en una emisora de radio de Santiago, y llevados a La Habana por Ñico Saquito, de quien recibieron también una gran influencia musical. Reutilio  reunía una virtuosa técnica en la guitarra, que le permitía tocar la prima y bordonear al mismo tiempo. En poco tiempo Celina y Reutilio se convirtieron en favoritos. La fórmula de combinar las décimas y cuartetas típicas del cantar guajiro con temas de las deidades de los panteones yorubas y congos del pasado africano tuvo gran respuesta del público, y el dúo comenzó a producir toda una serie de números  como "A la reina del mar", "El hijo de Elegua", "A la caridad del Cobre" y otros. Además grabaron una cantidad de música guajira y son montuno de otros autores, como "Lágrimas negras", "Me tenían amarrao con P" –compuesto por Ñico Saquito–, "El cuarto de Tula" y muchos más.




Luego vinieron las giras por diferentes países, y la filmación de películas junto a otras figuras de la época.

Tanto en sus años de dúo junto a su marido, como luego en su carrera solista (que comienza en 1964 siguiendo hasta 1980), Celina fue ovacionada en los mejores teatros y estadios del mundo. Cantó junto a Benny MoréBarbarito DiezNat King ColePedro Vargas entre otros.

En 1980  comienza una nueva etapa en la carrera de Celina. Su hijo Lázaro Reutilio terminaba sus clases formales de música y madre e hijo deciden lanzar una nueva versión de Celina y Reutilio ya no como dúo sino como conjunto moderno de música guajira y son montuno.




 Celina ha incursionado en las canciones de la Nueva Trova, particularmente en la obra de Silvio Rodríguez.

viernes, 1 de marzo de 2013

JACOBO FIJMAN - POETA

La mucha luz alaba su inocencia

( * Orhei, Besarabia, actual Moldova, 25 de enero de 1898 – Buenos Aires, 1970) 

Fue un poeta judeoargentino. Formó parte de la vanguardia literaria del grupo Martín Fierro, donde se vinculó con Jorge Luis Borges y Oliverio Girondo. Desarrolló varios oficios irregulares, y a partir de 1921 comenzó a padecer crisis mentales; crecientemente adepto al misticismo, se convirtió al catolicismo en 1930, y colaboró en varias revistas religiosas antes de ser internado definitivamente afectado de psicosis delirante en 1942. Moriría aún internado en 1970.



Nació en Europa, llegó a la Argentina en 1902, donde sus padres habían inmigrado en busca de trabajo; era el mayor de tres hermanos, y tres más nacerían ya en tierra argentina. Tras una breve estancia en Buenos Aires, se trasladaron al sur, donde su padre trabajaba colocando vías férreas en la línea de Río Negro. En 1907 se mudaron a Lobos, donde haría sus estudios primarios; desde niño mostró gran habilidad para el dibujo. 

Fijman, una personalidad tumultuosa y difícil, abandonó a su familia en 1917 para volver a Buenos Aires, donde estudiaría el profesorado en francés. Se formó también en filosofía antigua, griego y latín. Adepto al violín desde muy joven, acudió con asiduidad a los espectáculos de música clásica.


Ya graduado, trabajó brevemente como profesor en un liceo de señoritas, hasta sufrir la primera de sus crisis mentales. Abandonando trabajo y hogar, vagabundeó por la Argentina ganándose la vida como músico callejero; de esta época datan sus primeros poemas. Llegado al Chaco, trabajaría como peón rural un tiempo antes de regresar a Buenos Aires.
Su aspecto y costumbres resultaban chocantes para la época, y a inicios de 1921 fue detenido por la policía, salvajemente interrogado y recluido en la cárcel de Villa Devoto. La crisis mental que le produjo el maltrato llevó a su primera internación en el entonces Hospicio de las Mercedes, afectado de delirios. Fue dado de alta seis meses más tarde, después de haber sido sometido a tratamientos que incluían el electroshock.

Intentó restablecerse, trabajando como periodista primero en el Uruguay y luego para Mundo Argentino y la revista de la comunidad judía, Vida Nuestra; en esta última aparecen sus primeros poemas publicados, gracias a su amigo de infancia Carlos Grünberg. Tras un nuevo viaje hacia el Litoral, regresa a Buenos Aires, y desempeñaba esta profesión cuando Leopoldo Marechal, promotor de la revista Martín Fierro, lo invitó a unirse al grupo; allí conoció a numerosas personalidades de la vanguardia local, como Pompeyo Audivert, Alfredo Bigatti, Girondo, Leopoldo Marechal, José Planas Casas y Antonio Vallejo.

En 1926, vio la luz su primer libro "Molino Rojo", sobre el cual Frijman dijo:
"En Molino Rojo hay una gran influencia de la sonata de Corelli 'La locura'. Esta sonata tiene dos formas de ejecución. 'El Loco' y 'La Loca'(...)Molino rojo tenía un título que atrapaba a los anarquistas y socialistas. Reaccionan instantáneos ante el color rojo. Se notaba en la ciudad un estado de demencia general. Y en Molino Rojo desde luego, hay una intención que empieza por la demencia..."
Su estado se había agudizado entretanto, abrazando una suerte de misticismo fascinado con la religiosidad medieval.  Entre 1927 y 1928 viajó por primera vez a Europa desde su llegada infantil a las costas argentinas; acompañado de Vallejo llegó a París, donde el surrealismo estaba en plena efervescencia, y conoció allí a los grandes poetas del movimiento, entre ellos André Breton, Paul Éluard y Antonin Artaud. Pese a las afinidades literarias, la inclinación mística lo distanció de los poetas. 

Desanimado, regresa a la Argentina presa de una gran crisis de fe. Sigue en contacto con la bohemia local, y entabla amistad con el pintor Benito Quinquela Martín, con quien coincide en el Café Tortoni. 
El 7 de abril de 1930 es bautizado en la fe católica. A fines de ese año vuelve a la enseñanza del francés y ahorra algún dinero; gracias a ello, volvería a Europa en un segundo viaje, planeado éste con la ambición de tomar votos sacerdotales y dedicarse a la penitencia entre los benedictinos de Bélgica. Lo atormentaba sin embargo su amor por Teresa, sobrina de Oliverio Girondo, que aparece reiteradamente en sus obras de esta época.

Mucha de su producción de estos años aparece en Número, antes de dar a luz su tercer volumen de versos, Estrella de la mañana (et dabo illi stellam matutinam), aparecido durante la dictadura de José Félix Uriburu. Número desapareció en el curso de 1931, y Fijman se vio nuevamente reducido a la indigencia. Volvió a tocar el violín en las calles y en bares como medio de subsistencia, mientras eludía a sus conocidos.


SEGUNDA INTERNACION


Tras exámenes que lo declaran afectado de alienación mental volvió a ser confinado en Villa Devoto, y el 2 de noviembre en el Instituto Neuropsiquiátrico José T. Borda, de donde no sería ya dado de alta. El brutal tratamiento psiquiátrico incluiría nuevos electroshocks y una constante dosis de sedantes.

La década siguiente sería trágica; internado en el hospital, y luego trasladado durante unos años a la Colonia de Alienados Open Door, Fijman careció de contacto con la realidad. En 1948 aparecería retratado en el celebérrimo Adán Buenosayres de Marechal, apenas disimulado con el nombre de Samuel Tesler, "el filósofo villacrespense" y reaparecerá también en Megafón o la guerra de 1970; pero ninguno de sus antiguos amigos haría contacto con él hasta 1952, cuando Osvaldo Dondo, antiguo colaborador de Criterio logra que lo devuelvan al Borda y ve con entusiasmo algunos signos de recuperación. Al año siguiente el diario Clarín publicó la primera nota sobre Fijman en casi dos décadas.

Con claras señales de mejoría, Fijman pintó y escribió con ahínco durante estos años; declararía más tarde que "entre mi pintura y mi poesía hay una misma mano. Las mismas concepciones". Logró permiso para salir del hospital, y se encontró con antiguos amigos y colaboradores, como Dondo, Lisandro Galtier, y Juan Jacobo Bajarlía. Aparecieron nuevas notas sobre Fijman a partir de 1958, y en ese mismo año logró obtener una pensión de la Sociedad Argentina de Escritores. Para mejorar sus ingresos, traducía obras del francés para los psiquiatras del hospicio.

Atrajo la atención del escritor y abogado Vicente Zito Lema. Tras entablar amistad con el poeta, Lema bregó por obtener su tutela, obteniéndola finalmente en 1969. En mayo de ese año apareció el primer número de la revista Talismán, editada por Lema y dedicada por entero a Fijman, con el subtítulo "poeta en hospicio".

Lema publicó en julio de ese año El pensamiento de Jacobo Fijman, o el viaje hacia la otra realidad. Gravemente enfermo, Fijman dejó de ser capaz de pasar los fines de semana en la casa de su tutor. El 1 de diciembre de 1970 falleció, víctima de un edema pulmonar.
En 1985 una semblanza póstuma lo recordaría como Jacobo Fiksler en la novela El que tiene sed, de Abelardo Castillo.

“…lo que más nos ha impresionado en Fijman es su humor corrosivo, en el sentido estricto de humor surrealista. Su autenticidad de poeta, que trasciende hasta en los menores gestos. ¡Qué le ha determinado estas formas de vida, estos castigos sobre su persona! Y su bondad, más allá de los policías que lo castigaron; más allá de los jueces que lo privaron de su libertad; más allá de los psiquiatras que le descargaron su odio y su propia enfermedad; más allá de los que supieron de su situación y nada hicieron. La enorme bondad de Jacobo Fijman equilibrando tantas de nuestras maldades, perdonándonos”. (Vicente Zito Lema)

Poema XXXI

En mi gemido
conté mi soledad envejecida; conté todas las noches de mis días.
Mis huesos cantan el misterio del mundo.
El agua perturbada de mi reposo.
Me veo en mi gemido según pavores de inocencia.
Paz, paz:
oído de mis palabras.
El ruego alcanza oído a mis palabras
carne sanada;
y hay espanto de luz en nuestras manos.


miércoles, 13 de febrero de 2013

CANDOMBE, herencia africana.


Candombe, herencia africana en el Uruguay.

por Oscar D. Montaño

Candombe es el nombre genérico que reciben diferentes danzas de origen africano en Uruguay, y nace de la conjunción de los más de veinte pueblos africanos que fueron traídos como esclavos a esta región del cono sur. Cada uno de éstos tenía su idioma, su forma de ser, ver y sentir, su cultura, sus danzas y cantos de diferente naturaleza: sacro o profano, festivo o luctuoso, etc.
El candombe fue la danza y la expresión musical-religiosa más importante y significativa del colectivo afro. Y más aún: es hoy una de las expresiones musicales más elocuentes con que cuenta nuestro país. El candombe ha sido tan fuerte, profundo y esencial que en lugar de haber desaparecido –destino al que fue condenado en diferentes etapas históricas de nuestra nación– sobrevivió, venciendo todas las barreras y represiones. Ha impregnado de tal manera nuestra sociedad, que se ha convertido en un elemento cultural que identifica a Uruguay.
Los originarios candombes, realizados por aquellos africanos que encontraban en su música y danza una válvula de escape a la tragedia que enfrentaban, fueron una forma de sentirse vivos, a través de un íntimo e intenso que llamaba a la rebeldía ante las imposiciones y el avasallamiento de que eran objeto.
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Las Antiguas Llamadas

Oscar D. Montaño

Según relatos de Isidoro de María, en Montevideo, al menos desde 1760, y de domingo a domingo, “los amos permitían a sus esclavos que fueran a sus “canchitas” alineadas a lo largo de la muralla que cerraba y cuidaba la ciudad”. En esos pequeños espacios de tierra apisonada, con una capa de arena, se reunían todos los africanos de acuerdo a su nación. Cada grupo iba ‘llamando’ a sus compañeros, los que salían de las casas de sus amos, y se reunían con quienes los ‘LLAMABAN’ desde la calle o desde la canchita. “Y así los cabindas, benguelas, marises, casanchez, moyolos, ukolos, etcétera, se reunían los domingos para sus cantos y bailes entonando sus cadenciosos yé, yé, yé, Calunga yé, eeé llumbá”(1) , narraba Isidoro de María.

Comparsa de Negros y Lubolos

Comparsa de Candombe
Principios del siglo XX
Según Francisco Merino, entre fines del siglo XIX y comienzos del XX, se “llamaban” los miembros de una comparsa o se unían los negros de cada barrio para “visitar” otros barrios: los de “Ansina” (Barrio Reus al Sur) iban hasta el conventillo de Gaboto (Gaboto entre Cerro Largo y Paysandú), o los de Gaboto iban hasta el “Medio Mundo” en la calle Cuareim. Hoy día, aún se pueden percibir distintos matices de sonoridad o ritmo según el barrio al que pertenece la “llamada”.
Las antiguas llamadas afrouruguayas tenían por finalidad “citar” a los tamboreros que no habían concurrido con puntualidad a la “sala” para, luego de la ceremonia, visitar a las autoridades nacionales. Llama la atención que esa práctica pervive en África con idéntico sentido convocatorio, por ejemplo, los yorubas, de Nigeria, en la zona occidental del inmenso continente, poseen no sólo llamadas de tambores sino también vocales.

El toque de los tambores afromontevideanos:

En el 2003 Uruguay aprobó el texto de la Convención para la Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial y en 2009 se realizó, a iniciativa uruguaya, la inscripción por parte de la UNESCO del candombe uruguayo y su espacio socio cultural, en la lista de bienes culturales e inmateriales. Esto incluye la difusión del candombe como forma de vida y de inclusión.Una forma de vida que llega a todos, un ritmo que hace mover los cuerpos y los espíritus, alentados por manos que sangran de tanto pegarle a la lonja. La misma forma que tenían los negros esclavos de llamar a su lejana tierra africana, hoy la reivindican sus descendientes.
Esclavizados

En esos momentos, al reunirse en las costas montevideanas, evocaban sus vidas en su madre África, haciendo del mar el enlace, el nexo entre aquella y ellos, y afianzando esas tradiciones a través de su fuerza espiritual. En las Salas de Nación, con sus candombes, volvían a ser africanos. En su época cumbre, los africanos organizaban el candombe todos los domingos y en las grandes fiestas de Año Nuevo, Navidad, Resurrección, San Benito, Virgen de Rosario y San Baltasar.


  

viernes, 1 de febrero de 2013

LA RUMBA E IRAIDA

Iraida nos hace bailar

"En el ultimo cuarto hay son...pero yo, me habré ido de rumba...como buen esqueleto rumbero...jajajaja, no son falsas mis jas, son reales... 
Si a mi, la risa me sale facil...si no se confunden o no los confundo."



Iraida, el 1º de febrero del 2012 se fue de rumba como ella nos dijo que se iría, así que, a un año de su partida, pensamos que podríamos acompañarla en su rumbear, de la manera que ella hubiera querido.



Este complejo musical es de raíz africana. Se originó en Cuba como un baile típico de un ambiente caliente y se ha convertido en el baile más clásico de los bailes latino-americanos. La Rumba cubana, compuesta por toques, cantos, bailes y pantomima surgió durante el colonialismo español mientras se producía la expansión azucarera. 

Sus principales protagonistas fueron los negros libres y sus descendientes, pertenecientes a distintas étnicas africanas como la lucumí, ganga, arará y quizás la más significativa de todas: la gangá-bantú. De ellas se tienen referencias históricas asociadas a esta música bailada desde los siglos XVIII y XIX en sitios como barracones, dotaciones, en los campos y zonas suburbanas.

Las canciones hablan a menudo sobre la vida diaria de la gente de color de clase obrera. Muchos de los elementos de la rumba han influido y han enriquecido otros bailes folklóricos: la guaracha, la carioca, el beguine, la conga, el mambo y el cha-cha-cha. 
En 1970 la rumba llegó a Europa de forma estabilizada y comercializada vía Nueva York, donde ya había adoptado elementos del jazz en el son montuno desde 1943, llamado jazz afrocubano.

Los instrumentos musicales empleados para tocar rumba son simples: tres tambores de duelas ligeramente abarrilados llamados "Quinto", "Salidor" y "Tres Golpes"; un par de marugas metálicas (nkembi) que usa en las muñecas el tocador del quinto de la columbia y un par de claves (palitos entrechocantes) con las que el cantante marca el ritmo. Sin embargo, generalmente en el Yambú, y algunas veces en el Guaguancó se emplean dos cajones o envases de madera. El pequeño, casi siempre hecho de un "cajoncito de velas", tiene un sonido más agudo y hace de Quinto; el mayor (algunos de esos envases grandes donde traían el bacalao), de sonido más grave, hace de Tumbadora. Agregándose golpes de cucharas, golpes en las puertas y en todo aquello que le permitía al negro crear de ritmo.


PRINCIPALES ESTILOS DE RUMBAS


YAMBÚ: tiene un origen urbano y parece ser uno de los estilos más antiguos, pues existen referencias sobre el mismo desde mediados del siglo XIX. Su aire es lento.
Representa el coqueteo de la mujer al hombre, y se caracteriza porque en él no se realiza el Vacunao (movimiento pélvico de significación erótica).

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COLUMBIA: por lo general es un baile exclusivo de hombres, aunque algunas mujeres se hicieron famosas por su interpretación del mismo. El origen rural de este género es indudable. 
Este origen rural lo comprobamos en los textos, que aunque inspirados en la temática más variada están constituidos por frases breves, poco pulidas y con abundancia de vocablos africanos, como correspondería a la creación de un elemento humano surgido de plantaciones de cañas o los barracones de ingenios. 
Llegado el momento del baile, algún participante de la fiesta pide permiso, con un gesto, para bailar, y luego de abrirse espacio entre los presentes y de saludar a los tambores hace alarde de su habilidad danzaria. Más tarde, otro bailador lo sustituirá, intentando superar sus pasillos.


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GUAGUANCÓ: es la más elaborada, tanto musical como en lo referente a los textos. El guaguancó es danza típica de los barrios negros de la ciudad de La Habana. Las otras dos variantes (yambú y columbia) son rurales y de la provincia de Matanzas. 
Su canto se hace enteramente en español en vez de usar expresiones africanas o vocabulario del argot de los barrios bajos. En el sentido de los textos el guaguancó está muy relacionado con el "punto cubano", forma que tomó en Cuba la improvisación canaria y andaluza.  El tempo del guaguancó es levemente más lento que el de la columbia y más rápido que el yambú.

En el baile se representa la persecución amorosa del hombre a la mujer: él deseando Vacunarla, y ella intentando picarescamente protegerse del ataque. En esta persecución y huída de profundo contenido erótico se demuestra la habilidad danzaria de la pareja. Hoy se ha estilizado mucho el Vacunao, sugiriéndose a veces con un movimiento del pañuelo y otra parte del cuerpo.


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INFLUENCIAS EN EL MUNDO


RUMBA FLAMENCA: La rumba flamenca es un baile y un palo flamenco de carácter festero. Se conoce también como rumba gitana o simplemente rumba. Su baile se caracteriza por ser un baile sensual y coqueto, rico en movimentos de pelvis, caderas y hombros.
En el siglo XIX existía un intercambio comercial muy activo entre los puertos de Cádiz y Sevilla y los puertos de La Habana. Comerciantes, trabajadores, toreros y cantaores viajaban de España a Cuba y de Cuba a España con frecuencia.
La rumba flamenca surge del aflamencamiento de los ritmos cubanos que los españoles llevaron a España. Los cantaores y guitarristas traducen a la guitarra y a las palmas los sonidos de la guaracha, el son y la rumba guaguancó.
RUMBA CATALANA: La rumba catalana nace en los años cincuenta en las comunidades gitanas de Barcelona. Los creadores de este estilo incorporaron a la rumba flamenca elementos de la música cubana, la música puertorriqueña como la plena y la bomba, y el rock & roll.
Le añaden a la rumba flamenca instrumentos como los bongos, los guiros, los timbales y la conga. Más adelante, la rumba catalana incorpora instrumentos como piano, viento y bajo eléctrico.
LA RUMBA EN ARGENTINA: La rumba llegó a Argentina en la época del esplendor de la música tropical de los sesenta. Varios sectores escuchaban esta música, y en la comunidad que más fuerte impactó fue en los afroargentinos del tronco colonial del Gran Buenos Aires, en especial en los del Partido de la Matanza.  En esto también tuvo que ver el hecho de que algunos músicos cubanos de "música tropical" se quedaron a vivir en el Gran Buenos Aires. Con el paso del tiempo, la rumba cubana se "afroargentinizó", influida especialmente por el candombe porteño, y evolucionó en su toque y pasó a ser llamada rumba abierta.
Cabe recalcar que, a partir del gusto por la rumba abierta y la rumba cubana, esta comunidad de afroargentinos desarrolló un gusto muy especial por la salsa.


Carlos Embale y los Muñequitos de Matanzas - Guaguancó
Ref. www.ecured.cu
      www.wikipedia.org
      www.baile.about.com